미니멀리즘(Minimalism)의 확산과 영향

donald Judd, Untitled, 1972, Tate London

 

미니멀리즘은 현대 생활의 광범위한 문화에 큰 영향을 미친 예술 사조이다.

미니멀이란 단어는 다목적이면서 포괄적인 범주로 우리의 일상 명칭 언어에 스며들어 익숙하다.

 

예술사적 유산이라는 측면에서 미니멀리즘은 1960년대 중반 뉴욕에서 반세기에 걸친 모더니즘의 발전을 바탕으로 등장한 예술 및 디자인 운동이다. 이는 이전 예술의 복잡성과 장식에 대한 반발로 형태를 단순화하고 시각적 요소를 줄이며 작품이나 디자인 본질을 강조하는 것을 중요시했다.

 

이름에서 알 수 있듯이 미니멀리즘은  형식과 내용에 대해 최소한으로 유지하고 주로 조각으로 기억되지만 회화도 한몫을 했다. 미니멀리즘은 딱딱하고 직선적인 구성으로 재료 본질을 선호했으며, 때로는 연속 설치로 반복되는 경향도 있었다. 조각이나 주조와 같은 오랜 전통의  작업 방식이 아닌 철물점이나 제작소에 의존하는 조립 기술을 선호했다. 이러한 방식이 새로운 것은 아니었지만 미니멀리즘은 작품의 사실적 존재를 넘어선 모든 것을 경시하는 것에 대한 더 큼 관심의 일부로 작용하였다. 실제로 미니멀리즘을 지지하는 사람들은 의미를 축소하기 위해 '특정 오브제'라는 용어를 만들어 작품을 표현하였다.

 

미니멀리즘의 선구자격인 도널드 저드는

 

"작품에 많은 것을 보고, 비교하고, 하나하나 분석하고, 숙고할 필요가 없다. 작품 전체, 작품의 품질 전체가 흥미로운 것이다. 주요한 것들은 단독으로 존재하며 더 강렬하고 명확하며 강력하다"

 

라고 언급했다.

 

추상과 초기 현대 미술 

Hilma af Klint, Group IV, The Ten Largest, No. 7, Audulthood, 1907

 

최초의 추상화에 대한 정확한 연대는 없지만 일반적으로 1910년에서 1913년 사이에 제작되었으며 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky) 또는 프란티섹 쿠푸카(Frantisek Kupka)가 대표적인 작가이다. 그러나 2017년 구겐하임이 이전에 잘 알려지지 않았던 스웨덴 예술가 힐마 아프 클린트(Hilma af Klint)를 조사한 결과, 그녀의 작품은 명백히 객관적이지 않고 피카소가 여전히 구상적인 '아비뇽의 처녀들'을 완성하기 1년 전인 1906년으로 거슬러 올라가는 것으로 밝혀져 기존의 통념을 뒤흔들었다.

 

아프 클린트 외에도 초기 추상화의 대부분은 입체파에서 비롯되었으며, 얼마 지나지 않아 칸딘스키와 같은 화가들이 기하학적 요소를 새로운 회화로 발전시켰다. 피엣 몬드리안(Piet Mondrian), 카지미르 말레비치(Kazimir Malevich), 알렉센더 로드첸코(Alexander Rodchenko)와 같은 예술가들은 기하학을 사용하여 구도에 대한 고도로 축소하는 접근 방식을 취했다.

 

로드 디자인, 강력한 브랜드의 구축 로드 디자인이 함께 합니다.

몬드리안과 데 스틸(Mondrian and De Stiji)

Piet Mondrian, Composition in Red,Yellow, and Black, 1921

 

몬드리안은 테오 반 도스뷔르흐(Theo van Doesburg), 게릿 리트벨트(Gerrit Rietveld)와 함께 추상적이고 기하학적인 형태와 순수한 색채 표현을 추구한 네덜란드의 미술, 건축, 디자인 운동인 데 스틸(De Stilji)을 공동 창립했다. 회화의 해체를 통해 모더니즘의 가장 상징적인 작품들을 탄생시켜 가장 유명한 이름이 되었다.

 

처음에는 세라(Seurat)와 세잔(Cezanne)의 영향을 받았고 나중에는 피카소의 영향을 받은 몬드리안은 1914년 추상화로 방향을 전환하였다. 이후 몇 년 동안 그의 그림은 점점 더 단순화되었고, 1921년에는 검은 선이 교차하는 선 패턴 안에 원색 블록이 들어있는 그의 대표적인 '네오-플라스틱(neo-plastic)' 작품 중 첫 번째 작품을 만들었다.

 

그의 목표는 "현실은 영적인 것과 반대되는 것이기 때문에 현실을 가능한 한 적게 사용한다"하는 예술의 본질을 밝히는 것이었다.

 

카지미르 말레비치와 수프리마티즘(Kazimir Malevich and Suprematism)

Kazimir Malevich, Suprematist Composition: WHite on White, 1918

 

형이상학(존재의 본질)은 이미 러시아 아방가르드에서 유명한 말레비치에게도 영향을 미쳤는데, 1915년 그는 "순수한 예술적 느낌의 우월성"을 표현하는 일종의 추상화를 받아들였다. 그는 이를 절대주의(순수한 감각표현)라 명명했다. 몬드리안과 마찬가지로 순수한 기하학적 형태와 제한된 팔레트가 말레비치 비전의 핵심이었으며, 몬드리안보다 훨씬 더 근본주의적이었다.

 

1915년 말레비치는 정사각형의 흰색 캔버스 중앙에 검은색 정사각형이 그려진 '검은 광장'을 그렸지만 검은 사각형에는 약간의 표현주의적 색조가 남아 있었다: 말레비치는 1915~16년 겨울 상트페테르부르크에서 열린 그룹 전시회에서 종교적인 러시아인들이 집에 성화를 걸어 두는 신성한 장소인 천장 구석에 설치하여 러시아 정교회 의식과 연결시켰다.

 

바우하우스(The Bauhaus)

Ludwig Mies vad der Rohe and Philip Johnson, Seagram Building, New York

 

1919년 건축가 발터 그로피우스(Walter Gropius)가 독일 바이마르에 설립한 바우하우스는 미술, 건축, 디자인을 위한 학교로 순수 예술과 응용 예술을 통합하여 형태와 기능의 미학, 창조의 규격을 강조하는 학제 간 커리큘럼으로 운영되었다.

 

주로 건축, 특히 그로피우스와 또 다른 건축가이자 학교의 디렉터였던 루드비히 미스 반 데어 로에(Ludwig Mies van der Rohe)의 작품을 통해 바우하우스 외부로 전파되었다. 뉴욕 파크 애비뉴의 시그니처 건물인 시그램 빌딩(Seagram Building)과 같은 프로젝트의 철학을 설명하기 위해 반 데어 로에는 "적은 것이 더 많다(less is more)"라는 문구를 탄생시켰으며 이 아이디어는 나중에 미니멀리즘에 영향을 미쳤다.

 

알렉산더 로드첸코와 구성주의(Alexander Rodchenko and Constructivism)

Neoplastic Room at the museun of Art in Lodz(우쯔, 폴란드 도시)

 

로드첸코는 블라디미르 타틀린(Vladmir Tatlin), 엘 리시츠키(El Lissitzky), 리우보프 포포바(Liubov Popova)와 함께 러시아 아방가르드의 또 다른 분야인 구성주의(산업과 일체화)의 주요 인물로, 디자인과 조각에 대한 건축학적 접근 방식이 미니멀리즘의 중요한 템플릿을 제공했다.

 

1921년 로드첸코는 조각, 사진, 포스터 외에도 블랙 스퀘어(Black Square)와 급진성을 공유하는 단색 3종 세트인 Pure Red Color, Pure Blue Color, and Pure Yellow Color를 만들었다. 말레비치의 경우와 마찬가지로 로드첸코의 작품 제목에는 의도가 잘 드러나 있는데, 내용을 완전히 포기한 것이다.

 

"나는 그림을 논리적 결론으로 축소하고...모든 것이 끝났다고 단언했습니다."

 "모든 평면은 평면이며 어떤 표현도 있을 수 없다."

라고 그는 썼다.

 

구성주의는 폴란드 등 유럽의 다른 지역으로 퍼져나갔고, 카타리나 코브로(Kaarzyna Kobro)는 처음에는 미니멀리즘을 예상한 조각품을 만들었다. 지난 세기 후반에 재발견된 코브로의 작품은 오늘날 대부분 사진을 기반으로 재구성한 것으로, 직사각형 평면을 공간에 개방된 구조물에 고정하는 방식이었다. 이러한 요소는 종종 밝고 평평한 색상으로 칠해져, 저드와 같은 예술가들이 균일하게 마감된 표면에 관심을 가지게 된 것이다.

 

미국 추상 예술가(American Abstract Artists)

Josef Albers, Homage to the Square: Dense-Soft, 1969

 

미니멀리즘의 근간이 되는 개념들이 유럽을 통해 전해졌지만, 뉴욕에서 미니멀리즘과 추상 표현주의의 토대는 전쟁기간 동안 미국 추상 미술가(AAA) 그룹에 의해 마련되었다. 1936년 미국에서 추상화를 거의 볼 수 없던 시기에 추상화를 장려하기 위해 설립된 이 단체에는 몬드리안의 추종자인 버고인 딜러(Burgoyne Diller)와 일리야 볼로토프스키(Ilya Bolotowsky)를 비롯한 기하학적 추상주의자들이 회원으로 활동했다. 당시로서는 이례적으로 AAA는 로잘린드 벤겔스도르프(Rosalind Bengelsdorf), 앨리스 트럼불 메이슨(Alice Trumbull Mason), 메르세데스 매터(Mercedes Matter) 등 많은 여성도 회원으로 받아들였다.

 

가장 유명한 회원은 독일 태생인 요제프 알버스(Josef Albers)로 바우하우스에서 가르쳤고, 이후 노스캐롤라이나의 전설적인 블랙 마운틴 칼리지와 예일대에서 학생들을 가르쳤다. 또한 현대미술관과 메트로폴리탄 미술관에서 개인전을 개최한 최초의 생존 예술가이기도 하다. 그의 명성은 1949년 "광장에의 경의(Homage to the Square)"라는 제목으로 시작된 일련의 그림과 판화 작품에 있는데 각 작품에서 그는 색채에 대한 자신의 이론을 탐구하기 위해 다양한 크기와 색상의 제목 모양을 중첩시켰다.

 

추상 표현주의와 미니멀리즘(Abstract Expressionism and Minimalism)

Ad Reinhardt, Untitled, 1966, Museum of Modern Art, New York.

 

추상 표현주의는 연극적이고 열정적이며 지극히 주관적이라 미니멀리즘이 아닌 모든 것을 담고 있다. 하지만 전자와 관련된 두 인물, 즉 바넷 뉴먼과 애드 라인하르트는 이전의 모든 시도를 뛰어넘는 단색조의 작품을 제작하였다.

 

뉴먼의 가장 유명한 캔버스인 Vir Heroicus Sublimis(1950-51)는 뉴먼이 "지퍼(zips)"라고 이름 붙인 수직 띠로 나뉜 밝은 빨간색 필드가 특징이다. 몬드리안과 말레비치처럼 뉴먼은 추상 미술의 정신적 힘을 믿었고, 관객이 그림에 가까이 다가가 색채의 존재에 압도되기를 바랐다.

 

반면 라인하르트의 작품은 미니멀리즘에 더 가까웠다. 그는 추상 미술의 목표는 "예술을 예술로서 그리고 다른 어떤 것도 아닌 것으로 제시하는 것이며, 더 순수하고 비워지고, 더 절대적이고 더 배타적이며, 비객관적이고, 비표현적이고, 비상상적이고, 비표현적이고, 비주관적인 것"이라고 썼다.

미니멀리즘의 서막

Robert Rauschenberg, Untitled, ca.1951

 

다른 한 명은 엘스워스 켈리로, 1950년대 초부터 딱딱한 기하학적 구성을 선보였는데 켈리의 감성은 직관적이었으며 색상, 형태, 건축 인테리어와 관련된 방식에 대한 그의 안목을 기반으로 했다. 그는 1970년에 시작된 도형 캔버스로 가장 잘 알려져 있지만, 밝은 색상의 바둑판, 큰 벽을 위한 색채((colors for a Large Wall,1951)와 같은 초기 작품처럼 그의 관심은 공간에 대한 색채의 자유였다.

 

마찬가지로 로버트 라우센버그(Robert Rauschenberg)는 앨버스의 제자였던 블랙 마운틴 칼리지에 재학 중일 때 흰색과 검은색으로 이루어진 일련의 단색 모노크롬을 제작했다. 라우센버그는 "이미지에서 얼마나 멀리 떨어져도 이미지가 남을 수 있는지 보고 싶었다"라고 설명했습니다.

 

로버트 라이먼(Robert Ryman)은 짧고 겹치는 제스처 마크를 사용하여 최소한의 오브제인 캔버스와 그 위에 칠해진 물감 사이의 관계를 이용한 촉각적인 단색을 만들었다. 그는 흰색으로 작업하는 것으로 유명해졌지만 1950년대 중반에는 주황색과 같은 색을 사용했다.

 

캐나다에서 태어난 아그네스 마틴(Agnes Martin)은 흑연으로 세밀하게 렌더링 된 격자를 옅은 색으로 칠한 석회로 작업했다. 마틴은 종종 미니멀리즘의 신비주의자로 묘사되지만, 그녀는 스스로를 추상 표현주의자라고 생각했다. 실제로 뉴먼이나 그녀가 존경했던 마크 로스코(Mark Rothko)처럼 마틴은 자신의 작품에 비현실적인 느낌을 불어넣었다.

미니멀리즘의 또 다른 선구자는 쿠사마 야요이라 할 수 있다. 지금은 세계에서 가장 유명하고 인기 있는 아티스트 중 한 명인 쿠사마는 1957년 모국인 일본에서 뉴욕에 도착했을 때만 해도 무명작가였다.처음부터 그녀의 작품은 대조적인 배경에 그물 같은 패턴이 그려진 화면으로 가득했다.

 

Yayoi Kusama, Yellow Net, 1960.

 

프랭크 스텔라(Frank Stella)는 자신의 작품에 대해 "보이는 것이 그대로다"라는 유명한 말을 남겼는데, 이 문구는 미니멀리즘을 쉽게 설명할 수 있다. 1959년 23세의 젊은 나이에 그는 검은색 에나멜 띠가 중앙에서 동심원으로 방사되는 일련의 캔버스를 제작했다. 이는 그림의 가장자리와 그 너머로 시선을 밀어내어 벽에 걸린 오브제로서의 구체성을 강화하는 효과를 가져왔다.

 

또한 몇몇 예술가들은 고도의 색채 전략의 일환으로 줄무늬, 원형 등 선명하게 묘사된 기하학적 요소를 실험하기도 했다. 워싱턴 컬러 스쿨은 모리스 루이스(Morris Louis)와 같은 서정적인 추상화가들이 멤버로 활동했지만, 나중에 더 친숙한 드레이프 캔버스를 채택하기 전까지 케네스 놀란드(Kenneth Noland), 진 데이비스(Gene Davis), 토마스 다우닝(Thomas Downing), 샘 길리엄(Sam Giliam)과 같은 하드 에지(hard-edge) 화가 집단도 포함되었다.

 

유럽의 원시 미니멀리즘

Yves Klein, Untitled blue Monochrome, 1959.

 

도널드 저드(Donald Judd)

Sculptures by Donald Judd at the Chinati Foundation, Marfa, Texas, 2021.

 

제2차 세계대전 이후 10년 동안 추상표현주의가 뉴욕 미술계를 지배했지만, 1950년대 중반에 이르러 예술가들은 지배적인 추상표현주에 맞서기 시작했다. 이러한 추세는60년대 초 팝아트와 미니멀리즘이 등장하면서 더욱 가속화되었는데, 이 두 가지 예술은 시원하고 분리된 미학으로 추상표현주의의 제스처 드라마틱함에 도전했다. 이때부터 자본주의 미니멀리즘의 시대가 열렸고, 주드(Judd), 단 플레이번(Dan Flavin), 솔 르윗(Sol LeWitt) 등 미니멀리즘과 관련된 인물들이 등장하기 시작했다.

 

예술가이자 미술 평론가였던 도널드 주드는 미니멀리즘의 대명사가 되었는데, 그의 글은 미니멀리즘의 핵심 교리를 널리 알렸다. 그의 작품은 미니멀리즘의 핵심 교리를 '상자'라는 형태로 선택하여 그의 개인적인 비유로 즉시 인식될 수 있게 만들었다. 벽이나 바닥에 설치하거나, 상단이나 측면을 닫거나 열거나, 비워 두거나 내부 구획으로 나누거나, 단독으로 또는 여러 번 반복하여 제시하거나, 작은 규모에서 기념비적인 규모로 확장하거나, 합판, 콘크리트, 아연 도금 강철, 구리 및 플렉시글라스 등 다양한 재료를 단독 또는 조합하여 구성할 수 있는 등 주드의 박스가 제작되었다. 주드는 투명 또는 불투명한 래커와 함께 다양한 색상을 사용하여 많은 작품에 생생한 색채를 도입했다.

 

가구 디자이너이자 독학으로 건축을 공부한 드는 자신의 소호 로프트 건물을 오늘날 럭셔리 주거의 원형이 된 빌딩으로 탈바꿈시킨 프로젝트와 텍사스의 한 마을인 마르파를 통째로 매입하여 다른 예술가들의 작품을 포함해 자신의 감성을 담은 장소별 쇼케이스로 재탄생시킨 두 가지 대규모 프로젝트를 수행했다.

 

댄 플래빈(Dan Flavin)

Dan Flavin, the nominal three, 1963.

 

미니멀리즘의 목표는 객관적이었지만, 댄 플래빈은 사무실과 창고에서 흔히 볼 수 있는 형광등을 통해 임시적인 것과 콘크리트를 융합하는 보다 제한적인 접근 방식을 취했다. 보통 길고 곧게 뻗은 형광등을 가지고 플라빈은 프레임, 격자 및 기타 구성으로 배열하여 벽에 걸거나 구석에 밀어 넣거나 방을 나누는 데 사용했다. 가장 중요한 것은 물감 대신 빛으로 색채 효과를 내기 위해 컬러 전구를 사용했다는 점이다.

 

플라빈은 미니멀리스트라는 꼬리표에 불만을 품고 자신의 작품이 프레데릭 처치(Frederic Church)나 존 켄셋(John Kenset) 같은 19세기 허드슨강파 화가들의 빛으로 가득 찬 풍경화 전통의 일부라고 생각했다. 다소 믿기 어렵게 들리지만, 플라빈은 인공적인 빛의 압도적인 표현을 통해 낭만주의적 숭고함의 중세 버전과 같은 것을 추구한 것이 분명하다.

 

솔 르윗(Sol LeWitt)

Sol LeWitt, Cubic-Modular Wall Structure, Black, 1966.

 

솔 르윗은 처음에는 나무 기둥으로 만든 개방형 골격의 큐브를 제작하다가 가공된 강철로 전환했다. 이 큐브는 흰색으로 칠해졌으며 대들보의 크기와 대들보와 대들보를 분리하는 공간 사이의 표준화된 비율에 따라 제작되었으며 종종 수학적 진행에 따라 함께 대량으로 제작되었다.

 

르윗은 또한 처음에는 흑연으로 렌더링 된 교차하는 대각선의 격자와 패턴으로 구성된 도식적인 벽화를 만들었다. 시간이 지남에 따라 환상적인 깊이를 더하고 필기체 모양이 도입되면서 벽화는 더 화려해지고 직선은 줄어들었다. 하지만 이 모든 것은 작가의 지시에 따라 다른 사람들에 의해 실행되었다.

 

르윗은 사물(작품)과 아이디어는 별개의 것이라고 암시했기 때문에 그의 프로젝트는 개념주의적이었다.

분류가 좀 다른 개념 예술과 포스트 미니멀리즘의 다른 측면(프로세스 아트, 퍼포먼스)이 미니멀리즘과 동시에 생겨났다. 에바 헤세와 리처드 세라의 작품은 이 두 장르에 모두 속한다. 예를 들어, 헤세의 작업은 연속적으로 배열된 상자 모양의 오브제와 같은 미니멀리즘의 개념을 차용했지만, 라텍스나 유리섬유와 같은 유연한 재료로 제작되어 미니멀리즘의 엄격함을 약화시켰다. 또 세라의 조각은 견고함을 추구했지만 유연한 납 시트와 단조 강철 슬래브를 사용하여 미니멀리즘의 매끈한 제작 가치와 대조를 이룬다.

 

미니멀리즘과 페인팅

Jo Baer, Station of the Spectrum, 1967-69.

 

 

미니멀리즘에서 조각이 중요한 역할을 했지만, 미니멀리즘은 브리스 마(Brice Marden), 로버트 맨골드(Robert Mangold), 조 베어(Jo Baer) 등 과 같은 많은 화가들을 배출했다. 그러나 회화라는 매체의 특성과 예술가의 연관성을 고려할 때 미니멀리즘 회화는 조각보다 덜 프로그래밍적이었다.

 

마든은 1960년대 중반에 재스퍼 존스가 크고 광활한 단색, 단색 패널을 때때로 함께 결합하여 이중화나 삼부작을 만드는 데 에나멜 안료를 사용하면서 등장했다.

 

곡선과 직선 형태 사이의 균형을 유지한 망골드(Mangold)의 작품은 선이 새겨진 단색 캔버스에 경계와 내부 사이에 시각적 긴장감을 조성하는 형태로 구성되었다. 망골드의 그림은 그리스-로마 미술과 올드 마스터 미술을 참조하기도 했다.

 

그림은 무엇보다도 물리적 물체라는 생각에 따라 조 베어(Jo Baer) 바르는 흰색 캔버스의 가장자리를 따라 색 띠를 적용하여 빈 공간을 둘러싼 프레임처럼 보이게 했다.

 

미니멀리즘의 확산

Mary Corse, Untitled, 1968.

 

미니멀리즘은 1960년대 뉴욕에서 다른 지역으로 전파되고 발전하기까지는 오래 걸리지 않았다.

 

로스앤젤레스에서는 자동차 차체 상점, 지역 항공 우주 산업과 관련된 플라스틱 공급 업체, 그리고 남부 캘리포니아의 모든 것을 아우르는 빛이 현대 캘리포니아 미술의 "마감 페티시"와빛과 공간" 학파에 영향을 미쳤다. 존 맥크래켄(John McCracken)의 광택이 나는 페인트 판자, 드웨인 발렌타인(DeWain Valentine)의 반투명 주조 수지 마름모꼴, 제임스 터렐(James Turrell)의 조명과 배경막으로 이루어진 도망자 설치 작품, 유리 미세 구체를 페인트에 섞어 만든 메리 코스(Mary Corse)의 정밀한 기하학적 구성과 같은 작품은 모두 특유의 미니멀리즘에 대한 현상학적 접근을 대변했다.

 

전후 독일에서 구상과 추상을 구분하지 않는 다양한 스타일을 아우르는 게르하르트 리히터(Gerhard Richter)는 회색으로 역페인팅한 유리판과 페인트 가게의 색상 표를 기반으로 한 작품으로 미니멀리즘에 진출했다. 미니멀리즘과 관련된 다른 두 명의 독일 화가는 블링키 팔레르모(Blinky Palermo)와 이미 크노벨(Imi Knobel)입니다. 팔레르모는 벽화, 컬러 패브릭으로 만든 "부드러운" 추상화를 알루미늄 패널에 그렸고, 노벨은 벽이나 바닥에 일반 합판 조각을 매달거나 쌓아 올린 그림을 그리는 등 다양한 형식과 재료로 작업하면서 색상, 구성 및 갤러리 공간의 결합을 탐구했다.

 

미니멀리즘의 유산

Peter halley, Day-Glo Prison, 1982.

 

 

미니멀리즘의 씨앗이 20세기 전반기에 심어진 것처럼, 미니멀리즘 자체는 1980년대 상품 또는 네오 지오 운동(신추상-재생산의 기반인 독창성 부정)과 관련된 예술가들, 예를 들어 피터 할리(Peter Halley), 하임 스타인바흐(Haim Steinbach) 등에 의해 2세기에도 계속 반향을 불러일으켰다. 같은 시대의 또 다른 작가인 앨런 맥컬럼(Allan McCollum)은 말레비치(Malevich)의 '블랙 스퀘어(Black-Square)'의 조립 라인 버전과 유사한 수백 개의 석고 '대리물'을 설치하여 미니멀리즘의 연속적인 오브제 활용을 풀어냈다.

 

1990년대에는 모나 하툼(Mona Hatoum), 펠릭스 곤잘레스 토레스(Felix Gonzales Torres), 도리스 살세도(Doris Salcedo) 등 일부 예술가들이 미니멀리즘의 정체성 정치 전략에 합류하여 다문화주의, 성별, 성적 취향과 관련된 문제에 관심을 기울였다. 곤잘레스 토레스의 작품은 에이즈를 다루었으며, 에이즈 운동가 그룹인 ACT UP과 관련된 예술가들은 그래픽 아트에 미니멀리즘의 영향을 반영한 포스터와 팸플릿을 제작했다.

 

21세기 들어 미니멀리즘의 영향은 다양한 형태로 나타나고 있다. 예를 들어 볼프강 틸만스(Wolfgang Tillmans)와 리즈 데셰네스(Liz Deschenes) 같은 예술가들은 미니멀리즘 미학을 사진에 도입했다. 그러나 2010년대에는 시각적 매력을 강조하는 네오 미니멀리즘이 잠시 부흥했다가 곧바로 쇠퇴했다. 비평가들에 의해 '좀비 형식주의'라고 조롱받았던 이 시장 중심적 현상은 제이콥 카세이(Jacob Kassay), 라이언 설리반(Ryan Sullivan) 등 당시 떠오르는 예술가들의 경매 가치를 급격히 부풀렸다가 다시 떨어뜨렸으며, 예술에 지나치게 많은 돈을 좇는 것이 어떤 해로운 결과를 초래하는지에 대한 교훈으로 기억되고 있다.

 

그럼에도 불구하고 미니멀리즘은 미적 사고방식으로 변모한 것 말고는 다른 이유가 없다면 여전히 널리 퍼져 있다. 대중의 상상력을 사로잡았다는 점에서 미니멀리즘의 영향력은 극대화에 가까웠다.

 

by Howard Halle