르네 마그리트(Rene Magritte)

The Trachery of Images(This is Not a Pipe), 1929, oil om canvas

 

르네 마그리트(1898-1967)의 '이미지의 배신(이것은 파이프가 아니다)'은 파이프가 그려진 그림이다. 하지만 마그리트는 이 그림에 묘사된 파이프가 실제로는 파이프가 아니라고 주장하며 그 아래에 필기체로 새겨 넣은 것으로 유명하다.

 

마그리트는 작품을 통해 겉모습은 기만적이라고 주장했는데 20세기 전성기부터 관객과 예술가들의 머리를 긁적이게 만든 그의 수수께끼 같은 이미지는 일상적인 사물을 기묘한 방식으로 묘사한다. 밝은 낮의 하늘이 해 질 녘의 거리 위로 타오르기도 하고, 시골 풍경이 실제로는 캔버스일 수도 있으며, 눈의 푸른색은 푸른 하늘에 반사된 것일 수도 있는 기이한 풍경들을 묘사하였다.

 

마그리트가 말년에 한 인터뷰:

 

"우리가 보는 모든 것에는 또 다른 것이 숨겨져 있습니다. 우리는 항상 우리가 보는 것에 숨겨진 것을 보고 싶어 하지만 불가능합니다."

 

2006년 로스앤젤레스 카운티 미술관에서 열린 전시회는 현대 미술에 대한 그의 영향력을 보여 주었으며, 2011년에는 그의 작품 중 하나를 따서 '자연을 위한 식탁'이라는 제목으로 모나코 국립누보미술관(Nouveau Musée National de Monaco)에서 열린 그룹 전시회에 평범한 것을 불안한 방식으로 표현하는 작품의 출발점으로 사용되었다.

 

마그리트의 고향 벨기에에는 2009년에 약 200여 점의 작품을 소장한 마그리트 미술관이 개관했으며, 2022년에는 알렉스 단체프(Alex Danchev)가 집필하고 사라 휘트필드(Sarah Whitfield)가 완성한 종합적인 마그리트 전기가 출판되기도 하였다. 또한 마그리트는 2023년 소더비 경매에서 '빛의 제국'(The Empire of Lights, 1961)이 7,980만 달러에 낙찰되며 자신의 경매 기록을 세 배나 뛰어넘었다.

 

그렇다면 마그리트는 누구이며 왜 여전히 중요한 인물일까?

 

어린 시절과 커리어

 

마그리트와 그의 아내 조지트, 1937

 

르네 프랑수아 지슬랭 마그리트(René François Ghislain Magritte)는 1898년 레시네(Lessines)에서 방직공이었던 레기나(Régina)와 재단사였던 레오폴드 마그리트(Léopold Magritte) 사이에서 태어났다. 그는 3남매 중 장남으로, 미술학교에 입학하기 몇 년 전인 1910년부터 그림 수업을 받기 시작했습니다.

 

마그리트의 어머니는 우울증에 시달렸고 여러 차례 자살을 시도한 것으로 알려져 있다. 마그리트가 13세였던 1912년 초, 그녀는 샤틀레(Châtelet)의 집 근처 다리로 걸어가 삼브르(Sambre)강에 뛰어들었다. 17일 후 강가에서 그녀의 시신이 발견되었을 때 그녀의 잠옷이 그녀의 머리를 감싸고 있었다. 마그리트가 공개적으로 연관 관계를 인정한 적은 없지만, 이 사건은 그의 작품에서 반복적으로 등장하는 가려진 얼굴이라는 주제에 영감을 주었을 것이다. (The Lovers 2, 1928 에서 두 인물이 천으로 머리를 가린 채 키스하는 장면은 마스크가 보편화되었던 코로나19 팬데믹 기간 동안 특히 밈(meme)이 될 만한 이미지가 되었다).

 

연인(The Lovers 2, 1928)

 

몇 년 후 마그리트는 브뤼셀의 아카데미 로얄 데 보자르(Académie Royale des Beaux-Arts in Brussels)에서 공부를 시작했다. 그의 초기 스타일은 인상주의였으며 입체파와 미래파를 실험하기도 했지만, 결국 결핍을 느껴 학업을 중단했고 얼마 지나지 않아 1920년 마그리트는 벨기에 보병대에 징집되었고, 이듬해 제대하여 벽지 공장에서 디자이너로 일하게 되었다.

 

1922년 마그리트는 10대 시절부터 알고 지내던 여성 조지트 베르거(Georgette Berger)와 결혼했다. 마그리트 부부에게는 아이가 없었지만 반려동물은 있었는데, 브뤼셀의 집에는 개, 고양이, 비둘기로 가득했다. 두 사람의 결혼 생활은 안정적으로 보였지만, 사실 두 사람 모두 불륜을 저질렀는데, 마그리트는 초현실주의 퍼포먼스 아티스트 쉴라 레게(Sheila Legge)와, 조르쥬는 초현실주의 시인 폴 콜리네(Paul Colinet)와 불륜을 저질렀다. (마그리트는 매춘도 했다고 전해진다.) 그럼에도 불구하고 두 사람은 생의 마지막까지 함께했다.

 

파리행

 

위협받는 암살자(The Menaced Assassin, 1927)

 

마그리트는 1926년 브뤼셀의 갤러리 르 센토르(Galerie le Centaure)와 첫 번째 갤러리 계약을 체결하고 본격적으로 그림을 그리기 시작했다. 이듬해 이 갤러리에서 그의 데뷔 개인전이 열렸지만 그의 초현실주의 작품은 비평가들의 혹평을 받아 낙담한 마그리트는 보다 아방가르드한 파리로 이주했다. 파리 동부 교외의 르 페로 쉬르 마르네(Le Perreux-sur-Marne)에 정착한 마그리트는 앙드레 브르통(André Breton), 살바도르 달리(Salvador Dalí), 호안 미로(Joan Miró) 등 초현실주의 서클과 친분을 쌓게 되고 1년 만에 마그리트는 이들과 함께 전시회를 열었다.

 

하지만 파리의 유명 서클에서 활동한 시간은 짧았고, 1930년 아내와 함께 벨기에로 돌아갔을 때(아마도 재정적인 이유 때문이었을 것이다) 그는 이 초현실주의의 멤버가 된 이후였다. 사실 그는 파리에서 살았던 몇 년을 제외하고는 미술계의 중심지에 머물지 않았고, 뉴욕 현대미술관에서 열리는 회고전을 위해 생의 마지막까지 뉴욕을 방문하지도 않았다.

그럼에도 마그리트는 초현실주의자들과 계속 연락을 주고받았으며 무엇보다도 그는 자신이 그리는 그림에 대해 그들에게 편지를 쓰며 소통을 이어갔다. 마그리트는 1934년 브르통에 편지를 보내 갓 완성한 '인간의 조건'(933)을 설명하며

"그림 뒤의 장면은 눈에 보이는 것과 다르다고 생각할 수 있습니다."라고 썼다.

 

인간의 조건,1933

이 그림에서 이젤은 캔버스를 받치고 있는 풍경의 캔버스와 그 뒤의 풍경이 거의 완벽하게 조화를 이루고 있다. 표면적으로는 어느 쪽이 다른 쪽보다 더 "진짜"이지만, 둘 다 그림 자체만큼이나 시뮬라크르이다.

 

상업적 성공

 

복제금지(Not to be Reproduced, 1937)

 

1930년대는 마그리트에게 일련의 직업적 이정표를 가져다주었다.

마그리트는 1933년 브뤼셀의 팔레 데 보자르(Palais des Beaux-Arts)에서 개인전을 열었고, 1936년에는 뉴욕에서 줄리앙 레비 갤러리(Julien Levy Gallery)의 개인전과 MoMA에서 "환상적인 예술, 다다, 초현실주의"라는 제목의 그룹전을 두 차례 열게 되었다. 그해 런던에서 열린 국제 초현실주의 전시회에도 참가하여 수집가 에드워드 제임스(Edward James)의 관심을 끌었다.

 

고정된 시간(Time Transfixed, 1938)

 

 

제임스는 마그리트와 달리에게 자신의 런던 자택을 장식할 작품을 의뢰하면서 마그리트에게 연회장을 장식할 작품을 부탁하기도 했다. 마그리트는 마치 철도 터널처럼 벽난로에서 검은 증기기관이 나오는 모습을 그린 '고정된 시간(Time Transfixed,1938)'을 제작했다.

 

마그리트는 나중에 이 작품에 대해 

"기관차의 이미지를 그리기로 결심했습니다. 그 신비로움을 불러일으키기 위해 신비로움이 없는 또 다른 친숙한 이미지, 즉 식당 벽난로의 이미지가 결합되었다." 

라고 말했다.

 

 

위작

 

마그리트의 행운은 제2차 세계대전 발발과 함께 갑작스럽게 끝났고, 그는 나치가 점령한 벨기에에 머물게 된다. 마그리트는 자신을 부양하기 위한 수단으로, 위작을 제작하기 시작했고 그의 위작에는 티치아노와 17세기 네덜란드 화가 마인데르트 호베마(Meindert Hobbema)는 물론 조르주 브라크(Georges Braque), 조르조 데 치리코(Giorgio de Chirico), 막스 에른스트(Max Ernst), 파울 클레(Paul Klee), 파블로 피카소(Pablo Picasso)등 동시대 화가들 작품들을 포함하고있다.

 

마그리트의 위작 판매를 도왔던 벨기에의 초현실주의자 마르셀 마리에(Marcel Mariën)는 마그리트가 사망한 후 이 사건을 언론에 폭로했다(조제트는 마리에를 고소했지만 패소했다). 이러한 위조 습관은 캔버스를 넘어 다른 분야까지 확대되었는데 전쟁이 끝난 후 마그리트는 지폐를 위조하기도 했다. 이러한 행동으로 마그리트는 자신을 변호하기 위해 항상 시청자들에게 보이는 것과는 다르다고 경고한 것이다.

 

 

 

바슈시대(야수파의 패러디)

 

배멀미(Seasickness, 1948)

1945년 마그리트는 수년간 이해를 같이한 벨기에 공산당에 공식적으로 입당한다. 그는 1946년 편지에서 "시인과 화가가 부르주아 경제 체제에 맞서 투쟁할 수 있는 유일한 방법은 부르주아 경제 체제의 근간을 이루는 부르주아 이데올로기적 가치를 거부하는 내용을 작품에 담는 것"이라고 썼다.

 

전쟁이 끝나갈 무렵 그는 스타일을 크게 바꿨는데, 르누아르 시대(1943-47)와 바슈 시대(1948)로 구분되는 그의 밝은 색채와 인상주의 작품들은 비평가들의 호평을 받지 못했고, 일부에서는 욕을 먹기도 했다. 정작 그는 이런 반응을 즐겼다고 했다. 마그리트는 르누아르 시기(1943-47)와 야수파 시기(1948)의 시각적 언어에 기대어 자신만의 스타일이 아닌 스타일을 차용했다.

 

마그리트는 1944년 마리엔(Mariën)에게 보낸 편지에서 "나는 이상적인 예술의 세계로 피신하고 있다" 며 이러한 미학적 전환을 설명했다. "현실이 시끄러울수록 나는 가능한 한 현실에서 벗어나기를 꺼려합니다." 또 다른 편지에서 마그리트는 "독일 점령은 내 예술의 전환점이 되었습니다. 전쟁 전에는 내 그림이 불안감을 표현했지만 전쟁의 경험을 통해 예술에서 중요한 것은 매력을 표현하는 것이라는 것을 배웠습니다."라고 썼다.

 

빛의 제국

 

빛의 제국(The Empire of Light, 1954)

 

몇 년 동안 다른 예술가들의 스타일을 탐구한 마그리트는 1940년대 후반에 다시 자신의 스타일로 돌아간다. 마그리트가 1960년대 중반까지 제작한 17점의 유화와 10점의 구아슈(gouaches) 중 첫 번째 작품인 '빛의 제국(The Empire of Lights, 1949 )'은 이 성공적인 복귀를 알린 작품 중 하나였다. 이 작품들은 조금씩 다르지만 모두 하루 중 두 가지 시간대가 묘하게 충돌하는 주거 지역을 보여준다. 밝은 햇살이 내리쬐는 하늘과 가로등 하나만 켜진 어두운 집이 대조를 이룬다. 진짜 광원이 자연인지 인공적인 것인지는 확실하지 않다.

 

이 작품은 즉시 수집가들의 사랑을 받았는데, 넬슨 록펠러(Nelson Rockefeller)는 비서에게 선물하기 위해 첫 번째 작품을 구입했고, 두 번째 작품은 마그리트의 주요 수집가인 도미니크와 장 드 메닐(Dominique and Jean de Menil)이 구입하여 MoMA에 기증했다. 여덟 번째이자 가장 큰 버전은 1954년 베니스 비엔날레에 전시된 후 곧바로 페기 구겐하임(Peggy Guggenheim)에게 팔렸다. 그리고 올해 초 마그리트의 개인 경매 기록을 경신한 1961년 버전은 마그리트의 후원자 피에르 크로웨(Pierre Crowet)의 딸인 앤 마리 질리옹 크로웨(Anne-Marie Gillion Crowet)를 위해 그려진 작품이다.

 

이 시리즈를 작업하는 동안 마그리트는 빗이나 비누와 같은 일상적인 대형 사물을 소재로 한 그림도 여러 점 제작했는데, '개인적 가치(Personal Values ,1952)'에서는 사람 크기의 와인잔으로 보이는 것이 전신 거울을 마주하고 있고, 거대한 면도용 브러시가 옷장 위에 놓여 있다. 이 오브제들은 방 안의 모든 공기를 빨아들이며 부르주아적 공간에서 그 거대한 중요성을 과시한다.

 

개인적 가치(Personal Values ,1952)

 

마그리트의 노년시대

 

마그리트와 그의 그림이 있는 와인병, 1955

 

마그리트는 추상화가 한창이던 1950년대와 60년대에도 전 세계 미술 애호가들의 마음을 사로잡았는데, 그는 뉴욕, 파리, 제네바의 알렉산더 이올라스 갤러리 (Geneva galleries of Alexander Iolas)에서 자주 전시회를 열었고, 1960년대에는 미국 여러 기관에서 개인전을 열었다. 1965년 MoMA에서 열린 대규모 회고전(81점의 작품이 전시되어 마그리트가 처음으로 미국을 방문하게 된 계기)을 앞두고 댈러스, 휴스턴, 미니애폴리스, 아칸소주 리틀락에서 1인 미술관 전시회를 열기도 했다.

 

MoMA 전시 당시에는 팝아트가 한창 유행하고 있었고 거의 모든 리뷰에서 마그리트가 현대 트렌드와 연관성이 있다고 언급하기도 했다. 마그리트와 팝 아티스트들은 모두 일상의 소재를 작품에 사용하고 사실적으로 표현하여 비교 대상이 되었지만, 마그리트는 이러한 상관관계를 인정하지는 않았다.

마그리트는 1965년에 이렇게 언급하였는데,

 

"팝아티스트들이 저를 언급하나요?" 

"실례합니다만, 저는 팝은 윈도우 드레싱, 광고 예술이라고 생각합니다."

 

그러나 마그리트의 작품은 이러한 제도적 전시와 일상적 오브제의 팝아트와는 달라 1960년대 그의 시장 가치는 급상승했고, 예술가들은 기존 컬렉터들과 함께 그의 작품을 사들이기 시작했다. 재스퍼 존스(Jasper Johns)는 1960년대 초에 '꿈의 해석'(The Interpretation of Dreams, 1935)을 구입했고, 얼마 지나지 않아 로버트 라우센버그는문자 그대로의 의미'(The Literal Meaning, 1929)를 구입했다. 1965년 마그리트의 작품 가격은 1959년 가격의 8배에 달했다.

 

1967년 8월의 어느 날, 병원에서 3주를 보낸 지 얼마 지나지 않아 마그리트는 췌장암으로 자택에서 사망하는데 하지만 이것이 그의 유산의 종말을 알리는 신호는 아니다. 반세기가 지난 지금도 아이러니로 가득 찬 그의 신비스러운 그림은 시대를 초월하여 여전히 우리를 당혹스럽게 한다.

 

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